Noviembre despega con creatividad y experimentación artística, y nos invita a explorar las novedades que trae el arte.
Las exposiciones de noviembre nos traen desde esculturas monumentales que dan cuerpo a los sueños, hasta festivales que celebran el videoarte como una forma vibrante de narración. Este mes nos hará disfrutar de la diversidad cultural y artística al descubrir nuevas perspectivas y experiencias en primera persona.
La revolución del arte audiovisual
Loop Festival 2024 llega de nuevo a Barcelona con más de treinta espacios artísticos, galerías y colectivos. Este año, el festival amplía su oferta con el debut del programa Loop Symposium, donde artistas, coleccionistas y expertos debatirán el futuro del cine de artistas. Entre la programación destacada encontramos la obra RIVÂL (2023) de Thomias Radin, y una impactante performance de apertura, The Myth of Trinity II. Esta profundiza en las raíces guadalupeñas del artista y celebra su investigación en pintura, danza y escultura.
Richard Mosse, Untitled, Rondônia, 2024. Crédito editorial: Roman März / carlier | gebauer, Berlin/Madrid.
Otro de los momentos más esperados será la entrega del Premio de Videocreación LOOP Barcelona con la presentación de Morir d’amor, la reciente videocreación de Núria Güell en Fabra i Coats. Con esta pieza, Güell cuestiona la narrativa cultural del amor y sus influencias en el comportamiento humano. Además, el Loop Symposium, curado por Filipa Ramos, aborda la conexión entre el arte contemporáneo y la ecología, imaginando nuevas vías para crear y conservar las imágenes que nos inspiran y mueven hacia el futuro.
¿Cuándo? Loop Fair del 19 al 21 de noviembre. Loop Symposium del 20 al 21 de noviembre. Loop Festival 13 al 23 de noviembre.
¿Dónde? Barcelona.
Horario: Puedes seguir el programa por la página web.
Los hilos de luz que teje Olga de Amaral
La Fondation Cartier celebra el legado de la artista Olga de Amaral, pionera del Fiber Art, a través de una retrospectiva que reúne ochenta obras, desde 1960 hasta la actualidad. La muestra, que incluye piezas nunca antes vistas fuera de Colombia, refleja el uso del pan de oro, y sus primeras experimentaciones textiles y obras. Amaral ha trabajado con materiales como el crin de caballo y yeso, transformando la tela en un medio donde la luz y la forma se hacen uno.
Instalación monumental de la exposición de Olga de Amaral. Crédito editorial: Lisson Gallery.
En 1955, la artista regresó a Colombia con técnicas nuevas después de haber estado en la Academia de Arte Cranbrook. A lo largo del recorrido, se ve cómo innovaba y experimentaba en obras como Estelas, que enseña el kintsugi japonés. Por otro lado, la obra Brumas ofrece una experiencia sensorial de colores que fluyen ligeros como nubes. A través de sus obras, la artista nos permite explorar las conexiones con la naturaleza, jugando con las luces y sombras que se tejen en cada hilo.
¿Cuándo? Del 12 de octubre de 2024 al 16 de marzo de 2025
¿Dónde? 261 Bd Raspail, Paris, Francia
Horario: De miércoles a domingo de 11.00h a 20.00h. Martes de 11.00h a 22.00h
Entradas: Puedes adquirir la entrada aquí
Un viaje inmersivo por la naturaleza latinoamericana
La esencia latinoamericana se hace presente en las exposiciones de noviembre con la exposición Silhouettes in the undergrowth, que nos sumerge en un recorrido sensorial por el vínculo entre los cuerpos y los paisajes sudamericanos. La Fundación Jumex ha reunido obras de seis artistas latinoamericanos que plasman la esencia de territorios diversos, como el Amazonas, Panajachel, y el Catatumbo, a través de instalaciones, performance, video y pintura. Cada pieza refleja el impacto histórico y contemporáneo sobre la naturaleza, mientras crea una atmósfera inmersiva para hacernos viajar a esas tierras.
Interior de la muestra realizada en Museo Jumex. Crédito editorial: Ramiro Chaves.
La muestra está inspirada en la serie Silueta de Ana Mendieta, y explora cómo el cuerpo humano y el entorno son inseparables. Obras como la de Nohemí Pérez, que muestra la violencia extractivista en Colombia, y la instalación sonora de Vivian Caccuri, que utiliza partes de hormigas en altavoces hechos de azúcar amazónica, intensifican la relación entre humanos, naturaleza y colonialismo. Al recorrer Silhouettes in the undergrowth, tenemos la oportunidad recordar la huella que dejamos en la naturaleza y cómo destruimos algo que es parte de nosotros mismos. Es una llamada a reflexionar y actuar antes de que sea demasiado tarde para proteger lo que aún tenemos.
¿Cuándo? Del 17 de octubre de 2024 al 5 de enero de 2025.
¿Dónde? Blvd. Miguel de Cervantes Saavedra, 303, Granada, Ciudad de Mexico
Horario: Martes, miércoles, jueves, viernes y domingo de 10.00h a 17.00h. Sábado de 10.00h a 19.00h
Entradas: La entrada es gratuita
El mundo participativo de Lygia Clark
La exposición The I and the You en Whitechapel Gallery nos invita a adentrarnos entre los años 50 y 70 de la mano de la artista brasileña Lygia Clark. En un contexto marcado por tensiones políticas y una búsqueda de nuevas formas de expresión, Clark destacó en el movimiento neoconcreto, con el que desafiaba el arte abstracto y fomentaba la conexión entre obra y espectador. De esta manera, el público era una pieza activa dentro del arte que creaba.
El interior de la instalación de The I and the You, 2024. Crédito editorial: Whitechapel Gallery, Lygia Clark.
Desde las primeras pinturas hasta las esculturas interactivas Bichos, la muestra revela su mundo artístico donde las normas tradicionales se quedan a un lado para crear una conexión más personal con el arte. A lo largo de la muestra se ven materiales cotidianos como bolsas de plástico o redes de frutas, que se transforman y permiten que los visitantes puedan interactuar y ser parte de la obra. En la parte final de la exposición, su trabajo grupal creado en París en 1968, expone su compromiso con la sociedad, desdibujando las fronteras entre el arte y la vida, y reafirmando su convicción de que la creatividad siempre puede cambiar el curso del mundo.
¿Cuándo? Del 2 de octubre de 2024 al 12 de enero de 2025.
¿Dónde? 77-82 Whitechapel High St, Londres, Reino Unido
Horario: Martes, miércoles, viernes, sábado y domingo de 11.00h a 18.00h. Jueves de 11.00h a 21.00h
Entradas: Puedes adquirir la entrada aquí
Un viaje entre lo cotidiano y extraordinario a través del Arte Povera
La Bourse de Commerce-Pinault Collection se transforma en un espacio de reflexión y descubrimiento con una exposición monumental dedicada al Arte Povera. La muestra reúne más de 250 obras de trece exponentes del movimiento, como Giovanni Anselmo y Michelangelo Pistoletto, entre otros. Además, la exposición incorpora nuevas obras de artistas contemporáneos que dialogan con el legado de sus predecesores, creando un puente entre el pasado y el presente.
Vista de la exposición Arte Povera. Crédito editorial: Florent Michel.
El Arte Povera, de origen italiano en los años 60, rompe con las normas tradicionales del arte al emplear materiales humildes y técnicas simples. La instalación refleja la esencia de lo cotidiano, como la pieza de Pier Paolo Calzolari, donde matices de frío y calor juegan con los sentidos, e invita a reflexionar sobre la relación entre el arte y el entorno. Al celebrar la esencia de lo natural y lo urbano, la Bourse de Commerce se convierte en un faro de creatividad y reflexión en el corazón de la capital francesa.
¿Cuándo? Del 9 de octubre de 2024 al 20 de enero de 2025.
¿Dónde? 2 Rue de Viarmes, París, Francia
Horario: Lunes, miércoles, jueves, sábado y domingo de 11.00h a 19.00h. Viernes de 11.00h a 21.00h
Entradas: Puedes adquirir la entrada aquí
Pasos invisibles que conectan cuerpo y alma
El Museo de Arte Moderno (MAM) de Shanghái presenta Marina Abramović: Transforming Energy, la primera exposición de la artista en China. La muestra conecta la historia y la actualidad de Abramović, inspirándose en su icónica caminata por la Gran Muralla en 1988 junto al artista alemán Ulay. La exposición expone más de 1.000 imágenes junto a obras inéditas que exploran el potencial de la energía transformadora y la participación del público.
Una de las piezas interactivas, las bañeras llenas de flores secas, encabezadas por un mineral que transmite energía. Crédito editorial: MAM Shanghai.
De la exposición se destacan objetos «transitorios,» piezas que Abramović ha diseñado para estimular el diálogo entre la energía humana y los cristales, obtenidos de diferentes partes del mundo. Con un enfoque interactivo, el recorrido nos lleva a través de su biografía, sus primeras obras centradas en la energía corporal y la espiritualidad de los cristales. Además, se revelan piezas nuevas y participativas que retoman el tema de su arte de duración. Marina Abramović nos invita a conectar de manera energética, y nos permite experimentar sensaciones fuera de los límites físicos.
¿Cuándo? Del 10 de octubre de 2024 al 28 de febrero de 2025
¿Dónde? 4777 Binjiang Avenue, Pudong New Area, Shanghai
Horario: De martes a domingo de 10.00h a 18.00h
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Tom Wesselman y la revolución del arte pop
Fondation Louis Vuitton se envuelve de la esencia art pop con Pop Forever, Tom Wesselmann &…, una exposición que explora la evolución y la influencia del movimiento. Con Tom Wesselmann como figura principal, se exhiben 150 de sus obras junto a 70 piezas de 35 artistas contemporáneos que interpretan y reimaginan el Pop Art hasta las expresiones actuales. A lo largo de las cuatro zonas, exploramos los colores, formas y conceptos de artistas tan reconocidos como Andy Warhol, Jasper Johns, Yayoi Kusama, KAWS, entre otros.
Una de las obras expuestas de Mickalene Thomas, Tan n’ Terrific, 2024 Crédito editorial: Mickalene Thomas Studio.
Pop Forever destaca las icónicas representaciones del consumismo clásico estadounidense y el cuerpo humano, características del estilo de Wesselmann. Además, se muestra cómo Derrick Adams y Mickalene Thomas reinterpretaban estos temas en un contexto globalizado. Con la famosa Shot Sage Blue Marilyn de Warhol y las instalaciones a gran escala de Wesselmann, el recorrido conecta temas de consumo, identidad y cultura en un tributo a una de las corrientes más transgresoras del arte del siglo XX.
¿Cuándo? Del 17 de octubre de 2024 al 24 de febrero de 2025.
¿Dónde? 8 Av. du Mahatma Gandhi, 75116 París, Francia
Horario: De domingo a jueves de 10.00h a 20.00h. Viernes de 10.00h a 21.00h
Entradas: Puedes adquirir la entrada aquí
Un llamado a la preservación de la Amazonia
CCCB de Barcelona se adentra, este noviembre, en la Amazonas con la exposición Amazonias: El futuro ancestral. La muestra ofrece una inmersión profunda en la diversidad cultural y ecológica de la Amazonía, y recorre los ríos y bosques de esta región, explorando los sonidos, olores y rituales de las comunidades indígenas. La muestra no solo recoge la riqueza artística y el pensamiento de estos pueblos, sino que también expone las amenazas que enfrentan, como la deforestación y el cambio climático, destacando la urgencia de preservar este patrimonio.
Colectivo Mahku (Kássia Borges y Ibã Huni Kuin), Rashuaka, 2022. Crédito editorial: Carmo Johnson Projects.
Dividida en cuatro secciones, la exposición presenta obras de artistas y colectivos indígenas, como las instalaciones de Nereyda López y Santiago Yahuarcani. Con una combinación de fotografías, audiovisuales y narraciones, se revela cómo la explotación de los recursos naturales está devastando la zona, mientras que grupos defensores luchan por la conservación. Este viaje invita a reflexionar sobre la necesidad de adoptar hábitos sostenibles, y la importancia de no olvidar la conexión física y espiritual de los pueblos amazónicos con sus ancestros y el futuro que depende únicamente de nuestras acciones.
¿Cuándo? Del 13 de noviembre de 2024 al 4 de mayo de 2025
¿Dónde? Carrer de Montalegre, 5, Ciutat Vella, Barcelona
Horario: De martes a domingo de 11.00h a 20.00h
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Ai Weiwei, un Quijote contemporáneo
El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León presenta la exposición Ai Weiwei-Don Quixote, una muestra que recorre dos décadas de arte y activismo del artista chino Ai Weiwei. El gran personaje creado por Miguel de Cervantes cautivó a Weiwei siendo un niño, e inspirado por Don Quijote se explora la resistencia y resiliencia del artista. Entre las obras más destacadas, se podrán ver cuadros realizados con LEGO, donde los bloques de construcción reflejan la atemporalidad de técnicas antiguas como los mosaicos.
La instalación La Commedia Umana, 2017-2021. Crédito editorial: Ai Weiwei Studio.
La muestra contará con instalaciones, esculturas, y obras con las que se podrá reflexionar sobre la crisis de refugiados o el impacto de la inteligencia artificial. A lo largo del recorrido encontraremos obras como La Commedia Umana, un gran candelabro de cristal negro de Murano que mide más de ocho metros, y explora el ciclo de la vida y la muerte. La muestra incluye, además, diez películas y obras en papel pintado que transforman cada sala en un espacio inmersivo, donde se podrá viajar por los temas centrales de Weiwei: política, derechos humanos, y su identidad cultural.
¿Cuándo? Del 9 de noviembre de 2024 al 18 de mayo de 2025
¿Dónde? Av. de los Reyes Leoneses, 24, León
Horario: De martes a domingo de 11.00h a 14.00h y de 17.00h a 20.00h
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Louise Bourgeois atrapada entre la dualidad de las arañas
Viajamos hasta Tokio para llegar al Mori Art Museum, donde se acoge la exposición dedicada a la artista Louise Bourgeois. Con más de 100 obras repartidas en tres secciones, la muestra nos hace explorar los complejos vínculos familiares que marcaron su vida y su obra. Desde sus esculturas hasta sus instalaciones, Bourgeois desafía las dualidades que la sociedad impone, y utiliza sus vivencias personales para tejer un discurso que trasciende el tiempo. La primera parte de la exposición, No me abandones, narra su miedo a la separación y su relación con la figura materna, mientras que He estado en el infierno y he vuelto refleja las emociones conflictivas hacia su padre.
La gigante araña Maman de Louise Bourgeois en Tokio. Crédito editorial: Mori Building Co.
A través de obras emblemáticas como La destrucción del padre, Bourgeois realiza un exorcismo artístico de sus temores y ansiedades. En este punto, la clásica araña emerge como un símbolo fundamental en su obra, pues representa la figura de la madre, esa mujer fuerte y protectora. La última sección, Reparaciones en el cielo, destaca su capacidad para encontrar un equilibrio entre las fuerzas positivas y negativas que vamos encontrando en la vida. Al exponer elementos de su vida personal, como prendas de vestir, Bourgeois no solo refleja sus recuerdos, sino que también construye un espacio donde se exponen los sentimientos y la posterior resiliencia para curarse.
¿Cuándo? Del 25 de septiembre de 2024 al 19 de enero de 2025.
¿Dónde? 53F, Roppongi Hills Mori Tower, Tokio, Japón
Horario: De miércoles a lunes de 10.00h a 22.00h. Martes de 10.00h a 17.00h
Entradas: Puedes adquirir la entrada aquí
El viaje escultórico de Teresa Solar entre cuerpos y vacíos
El MACBA presenta Sueño máquina de pájaro, una exposición individual de Teresa Solar Abboud que explora la resistencia y el lenguaje a través de esculturas a gran escala. La muestra, realizada en colaboración con el CA2M, recorre de un «espacio de contracción» en Madrid a un «espacio de dilatación» en Barcelona, expandiendo el discurso junto a nuevas piezas. Teresa Solar es capaz de crear historias a través de las esculturas, inspiradas en figuras óseas y vacíos, y transmite la resistencia que se vive a la hora de adaptar cuerpo y naturaleza.
Una de las esculturas de la primera parte de Sueño máquina de pájaro instalada en el Museo CA2M. Crédito editorial: Roberto Ruiz.
En Sueño máquina de pájaro, se explican diferentes etapas de la carrera de la artista, desde sus inicios con el video y el dibujo, hasta sus grandes esculturas. A lo largo de la exposición, las instalaciones invitan a reflexionar sobre la relación entre el cuerpo y el espacio, y donde los materiales cerámicos transforman los vacíos. La muestra nos permite recorrer el universo de Teresa, donde lo físico y lo simbólico se conectan en un mismo lenguaje.
¿Cuándo? Del 21 de noviembre de 2024 al 9 de marzo de 2025
¿Dónde? Plaça dels Àngels, 1, Ciutat Vella, Barcelona
Horario: Lunes, miércoles, jueves y viernes de 11.00h a 19.30h. Sábado de 10.00h a 20.00h. Domingo de 10.00h a 15.00h
Entradas: Puedes adquirir la entrada aquí
La mujer asiática redefine su imagen en el arte
La figura revolucionaria de la mujer llega al National Museum of Modern and Contemporary Art, en Corea del Sur con la muestra Connecting Bodies: Asian Women Artists. La exposición reflexiona sobre el significado contemporáneo del cuerpo en el arte de mujeres asiáticas tras los años 60. La muestra cuenta con más de 130 obras de artistas de 11 países asiáticos, y propone un diálogo sobre cómo el cuerpo se convierte en un espacio intermediario entre la ideología y la cultura. A lo largo del recorrido vemos cómo la figura femenina se presenta como una clave transformadora necesaria para redefinir su identidad en la diversidad cultural.
Vista de la instalación. Crédito editorial: MMCA y Tina Kim Gallery.
La muestra está dividida en seis secciones, tocando temas como Territorios flexibles de la sexualidad hasta Cuerpos como devenir, y explora el significado del cuerpo dependiendo de el territorio, la espiritualidad y las estructuras de poder. Entre mitologías y performances urbanas, Connecting Bodies refleja una visión feminista que revoluciona los conceptos de sujeto y objeto, y reivindica un mundo donde la identidad y el cuerpo se unen de manera inclusiva.
¿Cuándo? Del 3 de septiembre de 2024 al 3 de marzo de 2025
¿Dónde? 30 Samcheong-ro, Jongno District, Seúl, Corea del Sur
Horario: Lunes, martes, jueves, viernes y domingo de 10.00h a 18.00h. Miércoles y sábado de 10.00h a 21.00h
Entradas: Puedes adquirir la entrada aquí
Las sombras del arte pop
Tate Modern expone la primera gran exposición en el Reino Unido dedicada al artista estadounidense Mike Kelley, quien fusionó el arte pop de manera oscura y siniestra. A través de dibujos, collages, videos e instalaciones multimedia, vemos como Kelley desafiaba las clásicas normas sociales. De esta manera, la muestra intenta transmitir el mundo artístico de Kelley, y las conexiones que realizó entre la cultura popular y las experiencias humanas.
La obra The Poltergeist, 1979, de Mike Kelley. Crédito editorial: Fondacion Mike Kelley for the Arts. Vaga at ars, ny & DACS, Londres.
El corazón de la muestra gira en torno a Under a Sheet/Existence Problems, que explora la ausencia y los rituales, y refleja su niñez como católico. Los objetos artesanales y los juguetes de segunda mano se presentan como piezas clave, pero no de manera inocente, pues nos invitan a reflexionar sobre el concepto de la masculinidad y los roles familiares. Por otro lado, la muestra termina con sus últimas instalaciones que reflejan la memoria y el deseo oculto. De entre ellas, se puede destacar proyecto Extracurricular Activity Projective Reconstructions (2000-2011), donde el artista le da vida a fotografías de actividades extracurriculares de anuarios de secundaria, transformándolas en videos musicales y teatrales.
¿Cuándo? Hasta el 9 de marzo de 2025
¿Dónde? Bankside, Londres, Reino Unido
Horario: De lunes a domingo de 10.00h a 18.00h
Entradas: Puedes adquirir la entrada aquí
Las lentes del cambio en los años 70
La década de 1970 fue un periodo de revuelo en Estados Unidos, marcado por la agitación social y la lucha por los derechos civiles. Este contexto sirvió como inicio para una revolución en la fotografía documental. National Gallery of Art ha abierto sus puertas a The ’70s Lens: Reimagining Documentary Photography, una exposición que se adentra en ese momento de transformación. La muestra cuenta con 100 fotografías de más de 80 artistas como Mikki Ferrill o Frank Espada, quienes utilizaron la cámara para ofrecer retratos de sus comunidades. De la misma manera, Tseng Kwong Chi y Susan Hiller se unieron a la fotografía con la performance, ofreciendo una nueva mirada sobre la función del arte en un mundo en cambio.
Imagen de Mitch Epstein, Massachusetts Turnpike, 1973. Crédito editorial: National Gallery of Art.
La exposición destaca cómo se transformó la estética con la entrada del color, y cómo se captaba la realidad de una manera más viva. William Eggleston, revolucionó la percepción del arte fotográfico, mientras Lewis Baltz cuestionaba la narrativa idílica de la naturaleza. A través de sus imágenes, se mostraba cómo el urbanismo destruía nuestro entorno, algo que sigue sucediendo hoy. La muestra nos proporciona la oportunidad de reflexionar sobre aspectos que se ocultaban o no se cuestionaban de manera directa, y que hoy siguen siendo decisivos.
¿Cuándo? Del 6 de octubre de 2024 al 6 de abril de 2025.
¿Dónde? Constitution Ave. NW, Washington DC, Estados Unidos
Horario: De lunes a domingo de 10.00h a 17.00h
Entradas: La entrada es gratuita
