Damos la bienvenida al nuevo mes con los 7 highlights de arte para agosto 2022. Algunas recomendaciones de la amplia oferta que ofrecen los centros más reconocidos del mundo del arte.
Entrados en el nuevo mes de agosto, volvemos a traer el arte y la cultura que se expone alrededor del mundo. Iniciamos con una exposición innovadora en La Pedrera, donde utilizan la realidad virtual. Por otro lado, Hayward Gallery y el MoMa hacen reflexionar a los visitantes sobre el poder abusivo y las reivindicaciones sociales que se necesitan para avanzar en la igualdad. Además, gracias al Centre Pompidou, tres artistas portugueses ofrecen sus visiones sobre el pasado y el presente sumergidos en una oscuridad de la que se puede salir. Los festivales siguen, también, estando presentes, y esta vez, la cultura e historia se apodera de la Noche en el Palacio de Potsdam. Para finalizar, nadie se olvida de homenajear a grandes artistas. Por un lado, el pintor Piet Mondrian, y por otro lado, la modista Elsa Schiaparelli. ¡Adelante con los 7 highlights de arte para agosto 2022!
La mágica realidad de la Pedrera
La realidad mixta aterriza en La Pedrera con la nueva experiencia La Pedrera Magical Vision. Una innovadora visita que permite a los visitantes recorrer el edificio combinando la tecnología y la realidad física. Además, esta propuesta, única y actualizada, ofrece acercar el universo de Gaudí con una metodología distinta. Descubriendo, con las gafas tecnológicas HoloLens 2 de Microsoft, la historia y la arquitectura del edificio emblemático de la ciudad condal. Como resultado, se experimenta el recorrido de manera multi sensorial, conociendo los propietarios de la vivienda o los elementos que inspiraron al arquitecto catalán a crear puro arte.
Esta aventura se realiza en un espacio nuevo del edificio, envolviendo el Pati de les Papallones y siguiendo la línea arquitectónica de la Casa Milà. Marta Lacambra, directora general de la Fundació Catalunya La Pedrera, cree firmemente en el objetivo de construir experiencias con las que se pueda disfrutar del arte con miradas nuevas. Además, Montse Moragas, directora general de Laie, recalca el trabajo realizado para unir tecnología y cultura.
Hemos trabajado con el equipo de la Fundació Catalunya La Pedrera para conseguir una experiencia de calidad y rigor, además de unir la magia y la emoción imprescindibles en este recorrido que presentamos.
El entresuelo, espacio utilizado para la visita, nunca antes se había abierto al público. Además, en el pasado, este espacio había albergado una pensión, un instituto, incluso oficinas
La particularidad de esta nueva exhibición es que es la primera vez en el país que el dispositivo, HoloLens 2, se utiliza para una visita cultural. Desde la compañía Microsoft España están convencidos de que, gracias a las nuevas tecnologías, se podrán experimentar vivencias que antes eran inimaginables. Los hologramas representados virtualmente se funden al espacio real, y van apareciendo para narrar la historia que vive detrás. De esta manera, los visitantes pasan de ser meros espectadores a ser una parte única dentro de La Pedrera. Además, en Barcelona la digitalización está dejando huellas muy innovadoras, pues la fachada de La Casa Batlló experimentó cambios a través de tecnología NFT.
¿Dónde?: Passeig de gràcia, 92, Barcelona
Horario: De 9.00h a 19.00h
Entradas: Puedes adquirir las entradas aquí
La fantasía sobrepasa la realidad de la cultura africana
Hayward Gallery acoge durante todo el verano In the black fantastic, una gran exposición dedicada a artistas negros que utilizan elementos fantásticos para mostrar la injusticia racial. Esta es una de las muestras que la galería presenta como espectáculo innovador, pues en este caso, bajo el arte contemporáneo se transmiten duras realidades que se pasan por alto. Reuniendo el folclore, la mitología o tradiciones espirituales, los artistas ofrecen una conexión entre pasado, presente y futuro. Y, de esta manera, se enlazan las representaciones de lo antiguo, de aquello que está por llegar y los desafíos actuales.
Espacio del artista Hew Locke. Reyes codiciosos sobre sus caballos. Además, resaltando las características de la muestra, los artistas han reutilizado elementos para crear sus obras. Rob Harris
El director de Hayward Gallery, Ralph Rugoff, confiesa que la cultura africana sigue estando muy poco reconocida, y la muestra es un buen escalón para darle visibilidad y afrontar esas tendencias racistas, que por desgracia siguen todavía en la sociedad. De la misma manera, Ekow Eshun, curador de la exposición, afirma que compartir las visiones de los artistas acerca a la población a la realidad.
Más que nunca, los artistas negros, como los escritores, cineastas y músicos, están pensando en términos audazmente imaginativos para explorar la raza y la identidad cultural en la era contemporánea.
La figura de la derecha, Soundsuit, del escultor Nick Cave. Los trajes embellecen la sala con elementos sencillos: botones, alambres y tamiz antiguo
A lo largo del recorrido se pueden disfrutar de pinturas, fotografías, esculturas o pequeños videos. De entre los artistas que exponen, se encuentran las imágenes de Hew Locke muestran reyes corruptos, tiranos y bandidos. Las obras de Sedrick Chisom y Kara Walker tratan la violencia racial en Estados Unidos, mientras que Ellen Gallagher aborda el pasado esclavista utilizando en sus retratos reinos fantásticos subacuáticos. Al iniciar la exposición, las figuras Soundsuits del escultor Nick Cave dan la bienvenida a los visitantes. Sus trajes, que tienen origen en respuesta al abuso policial que sufrió Rodney King hace 30 años, también representarán en recuerdo a George Floyd.
¿Cuándo?: Del 29 de junio hasta el 18 de septiembre del 2022
¿Dónde?: Southbank Centre, Belvedere rd, Londres, Reino Unido
Horario: Miércoles de 11.00h a 21.00h. Jueves, viernes y sábado de 11.00h a 19.00h. Domingo de 10.00h a 18.00h. Lunes y martes cerrado
Entradas: Puedes adquirir las entradas aquí
Viva la cultura dentro del Palacio de Potsdam
Como cada año, en suelo berlinés, el Parque Sanssouci reúne la nueva edición de la Noche del Palacio de Potsdam. El lugar, reconocido como Patrimonio Mundial de la UNESCO, llenará la noche del día 19 de agosto de música, literatura, talleres y espectáculos. Todo ello envuelto con la magia de la caída del sol y las reales vistas de un paraje de lujo. Bajo el lema ¡Viva!, se agradece y celebra la vida en sí misma. Mientras, se festejan las nuevas experiencias que nos hacen aprender y seguir adelante disfrutando entre todos de la cultura que nos enriquece.
Durante la festividad, el programa ofrecerá un amplio catálogo de actividades como teatro, ópera, jazz y acrobacias. Las figuras españolas estarán representadas dentro de la edición número 23. Por ejemplo, la compañía teatral La Tal: Carilló, mostrará los límites entre la ficción y la realidad junto a un enorme reloj. De él saldrán personajes muy caracterizados por su comedia, que explicarán sus historias llenas de amor, celos y locuras. Del mismo modo, el flamenco también recorrerá el parque, pero no de manera normal, sino bailando sobre grandes zancos. Algo muy curioso.
La Noche del Palacio de Potsdam 2021. Durante el día, las actividades y espectáculos realizados son muchos. Representando antiguas épocas. Michael Clemens
Durante el festival, los visitantes podrán disfrutar de cinco recorridos temáticos caminando por diferentes lugares de la zona. Unos pequeños tours totalmente gratuitos que se llevarán a cabo en cuatro ocasiones durante la noche. Gracias a ellos se podrá conocer mejor la historia del Palacio de Sanssouci, descubriendo los secretos culinarios que enamoraban a la corte real y los festivales que realizaban. Además, El Jardín Botánico y el Vivero del parque también se mantendrán abiertos, pues disfrutar de la naturaleza, y transmitir cuidado por mantener con vida lo que nace de la tierra es un tema elemental.
¿Cuándo?: El 19 y 20 de agosto de 2022
¿Dónde?: Schloss Sanssouri, Maulbeerallee, Potsdam, Alemania
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El Centre Pompidou se sumerge entre claroscuros portugueses
Para completar el verano, el Centre Pompidou ha puesto en abierto la exposición colectiva Le reste est ombre, dedicada a tres artistas portugueses. A través de Pedro Costa, Rui Chafes y Paulo Nozolino, se lleva a cabo un diálogo entre la fotografía, la escultura y la visión cinematográfica. Un viaje inmersivo, bajo una escena cerrada y oscura, que adentra a los visitantes a una época histórica portuguesa; la Revolución de los Claveles del 25 de abril de 1974. De esta manera, los artistas portugueses, unen sus visiones e interpretaciones sobre el tema. Además, llevando con ello la sombra del pasado contemporáneo portugués.
Cada uno de los artistas, en su campo específico, transmiten y activan elementos que encajan a la perfección juntos. Primero, Pedro Costa, representa la animación y el sonido en la sala; después, las esculturas de hierro y acero de Rui Chafes se convierten en objetos inmateriales, una simbología que supera lo físico. Mientras, Paulo Nozolino, a través de sus fotografías, resiste a la profundidad de la escultura y el cine. El enfoque de este último en la fotografía está muy ligado a la vida misma. Nozolino reconoce que fotografiar le permite conocerse a sí mismo y comprender lo que le envuelve.
De izq. a drcha.: Blodelsheim y Ukraine, dos obras de Paulo Nozolino. A través de ellas, el artista portugués busca la esencia, y de esta manera, llegar a lo más hondo del que mira
Las sombras y la penumbra envuelven las obras de los tres artistas, de tal manera que se diluyen entre sí. Hay que tener la intención de buscarlas y encontrarlas, reconstruyendo las referencias y la claridad. Para el director Pedro Costa, este viaje inmersivo en la oscuridad ofrece reconocer qué hay más allá: “un mundo reducido, hecho de plazas públicas, callejones, murmullos”.
¿Cuándo?: Del 8 de junio hasta el 22 de agosto de 2022
¿Dónde?: Place Georges-Pompidou, París, Francia
Horario: De miércoles a lunes de 11.00h a 21.00h. Martes cerrado
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Fundación Beyeler rememora los orígenes de Piet Mondrian
Conmemorando el 150 aniversario del nacimiento del pintor Piet Mondrian, la Fundación Beyeler ha inaugurado la exposición Mondrian Evolution. Una gran muestra que recorre la vida artística del pintor de principio a fin, pues él alcanzó a ser una de las figuras más polifacéticas de la vanguardia. La Fundación ha recogido 89 obras prestadas de colecciones privadas y públicas en Europa y Estados Unidos. A través de ellas, se puede descubrir un poquito más sobre cómo su arte influyó entre lienzos, pero también en el diseño, la moda o la cultura pop.
Abend: Der Rote Baum, 1908-1910. A lo largo de la muestra se puede disfrutar de las obras del artista francés. Sus pinturas de óleo sobre lienzo y la representación del campo y los árboles
Descubrir de manera cronológica la carrera artística y personal de rostros conocidos es la mejor forma de adentrarse en ellas. Pues, de esta manera, se recorren los pasos que fueron dando y se observan los cambios que hicieron a lo largo de los años. De esta manera, los visitantes pueden ver reflejado cómo se inició, cómo trabajó y fue avanzando para llegar hasta el punto cumbre. Los primeros trabajos de Piet Mondrian estaban inspirados en la pintura paisajista holandesa de finales del siglo XIX. Pasando por blancos y negros, colocando con precisión los colores azul, rojo y amarillo.
Durante la visita se pueden seguir las distintas maneras que realizó al trabajar. Desde sus pinturas en óleo sobre lienzo y cartón, pasando por representar molinos y tierras. Además, sus conocidas composiciones de líneas en colores primarios
El recorrido, dividido en nueve salas, ofrece el poder comparar sus obras tempranas con el resultado de las últimas que realizó. Sus pinturas paisajes con la referencia de molinos de viento, el agua o las dunas, todo ello con diferentes grados de abstracción. Además, a través de ellas, jugaba con la luminosidad y el brillo que podía sacar de sus pinturas. Así mismo, otro elemento que influyó en él y en su arte fue su interés por la filosofía y lo esotérico, dándole a los nuevos y jóvenes artistas ideas que inspiraban a seguir avanzando personalmente en la pintura.
¿Cuándo?: Del 5 de junio del 2022 hasta el 9 de octubre del 2022
¿Dónde?: Baselstrasse, 77, Riehen, Suiza
Horario: De jueves a martes de 10.00h a 18.00h. Miércoles de 10.00h a 20.00h
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Barbara Kruger llena el MoMa de reivindicaciones sociales
La mirada curiosa y crítica de la artista estadounidense Barbara Kruger se implanta entre las paredes del The Museum of Modern Art. Cubriendo con palabras el suelo y las paredes del Marron Family Atrium; rodeando a los visitantes con grabados en blanco y negro. Kruger es conocida por sus obras de arte combinadas con textos reivindicativos, pues el poder toma el control de la sociedad de manera abusiva. La construcción de cómo se debe consumir, identificarnos y desear está muy catalogado. Además, siempre se necesitan referencias para hacer reflexionar sobre cómo nos influye.
El espacio se encuentra totalmente cubierto de frases con un fuerte significado reivindicativo. Mientras, los visitantes deben centrarse en cada una de las palabras con detalle para captar de mejor manera el simbolismo. Emile Askey
La instalación Barbara Kruger: Thinking of you. I mean me. I mean you, permite captar las ideas de la artista sobre temas delicados que se lleva preguntando sobre ellas hace más de 40 años. Desde los años 80, siempre que ha podido, ha representado su arte en entornos amplios, aprovechando instalaciones a gran escala en edificios amplios. La artista siempre ha reconocido que sus trabajos se basan en la unión de seducir y criticar para comprender aquello que nos rodea de la mejor manera.
Durante la inmersión en el espacio, se pueden leer citas de mujeres referentes como Virginia Woolf. Reivindicando la posición de las mujeres y su poder. Emile Askey
La instalación juega y aprovecha la arquitectura del edificio, y de esta manera, ofrecer diferentes puntos de vista y observación de las palabras colocadas entre el suelo y las paredes. Desde el segundo piso, los visitantes podrán ver desde las alturas una cita que escribió George Orwell en su libro 1984: “Si quieres hacerte una imagen del futuro, imagina una bota aplastando una cara humana, para siempre”. Esta referencia, colocada en el centro de la sala, es un claro ejemplo de la crítica al totalitarismo. Cómo teniendo muchas realidades justo enfrente no se llega a pensar con detenimiento qué sucede.
¿Cuándo?: Del 16 de julio del 2022 hasta el 2 de enero de 2023
¿Dónde?: 11 W 53rd St, Nueva York, Estados Unidos
Horario: De domingo a viernes de 10.30h a 17.30h. Sábado de 10.30 a 19.00h
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El homenaje parisino a la esencia de la modista Elsa Schiaparelli
Finalmente, para completar los highlights de agosto, el Museo de las Artes Decorativas de París inició julio con la exposición Shoking! The surreal world of Elsa Schiaparelli, alzando la alta costura de la modista italiana y su inspiración vanguardista parisina entre los años 1920 y 1930. La muestra reúne 520 obras, que incluyen 272 siluetas, además de accesorios propios de la artista. Todo ello exhibido junto a pinturas, joyas y cerámicas de amigos de Schiaparelli; entre ellos el artista Man Ray, el pintor Salvador Dalí o el escritor Jean Cocteau.
De izq. a drcha.: Detalle en la capa Phoebus. Una prenda de invierno de 1937-1938. Y, detalles de una chaqueta de noche de 1947. Inmediatamente, una vez dentro de la muestra, se puede captar la elegancia y los detalles que la italiana plasmaba en sus obras
La modista italiana tenía el arte de embellecer la ropa de calle, alzando la alta costura y confeccionando vestidos de gala. Creando de manera libre y conociendo qué había a su alrededor, tuvo la capacidad de ofrecer una mirada única y distinta dentro de la moda. La exposición está organizada tanto a nivel temático como cronológico, mostrando así obras creadas en momentos clave en la vida de Schiaparelli. Y cómo fue analizando y aprendiendo de otros artistas para ir creciendo y evolucionando durante su carrera. Sus inicios fueron marcados por la figura del diseñador francés Paul Poiret, descubriendo un gusto particular por el Art Deco y el detalle. Su conexión surrealista con Dalí también es potenciada en una sala única para ellos; en ella se puede observar el Vestido langosta o el Zapato Sombrero.
En 1936, Schiaparelli y Dalí colaboran por primera vez para crear piezas de moda. De este modo, un año más tarde, salió a la luz el Vestido langosta
La segunda planta de la exposición abre paso a los salones de alta costura de la modista italiana, ubicados entonces en París, que ella misma inauguró en 1935. Para la decoración y diseño de las salas, Schiaparell recurrió al decorador Jean-Michel Frank por su estilo distinguido y elegante. Además, las figuras de los bordados y los perfumes también se encuentran representados durante esta segunda etapa, y es que la modista supo potenciar, a través de la moda, la posición de la mujer, la feminidad, el ingenio y la imaginación.
En 1934, Schiaparelli lanzó tres perfumes: Soucis, Salut y Schiap. Más tarde, un año después, Jean-Michel Frank instaló con elegancia la jaula de perfumes con bambú dorado y metal
Además, a lo largo del recorrido, también se puede disfrutar de diseños creados en su honor de iconos como Yves Saint Laurent, Azzedine Alaïa o John Galliano. De la misma manera, el director artístico de House of Schiaparelli desde 2019, Daniel Roseberry, también ha querido participar en este homenaje con un diseño propio.
¿Cuándo?: Del 6 de julio del 2022 hasta el 22 de enero del 2023
¿Dónde?: 107 Rue de Rivoli, París, Francia
Horario: Martes, miércoles, viernes, sábado y domingo de 11.00h a 18.00h. Jueves de 11.00h a 21.00h. Lunes cerrado
Entradas: Puedes adquirir las entradas aquí
Imágenes cedidas por La Pedrera, Hayward Gallery, Potsdamer Schlössernacht, Centre Pompidou, Fundación Beyeler, The Museum of Modern Art y Museo de las Artes Decorativas de París
