Entrados oficialmente en pleno verano, llegan los 7 highlights de arte para julio 2022. Unas recomendaciones en las que entran los festivales de arte y cultura. Pues esta época del año lo demanda.
Iniciamos con los mencionados espectáculos, por un lado, el Festival Internacional de Arte Galway y el Festival de Cap Roig. Estas dos citas no dejan de ser ansiadas, pues reúnen a la sociedad para disfrutar del arte. El Museo Guggenheim Bilbao expone la conexión necesaria con la propia tierra. Mientras, Fundación Loewe participa en PHotoEspaña dedicando la exposición al fotógrafo George Lynes. El Museo Victoria y Alberto recorre la historia del significado de la masculinidad, y The Met la conexión del kimono entre oriente y occidente. Además, vemos cómo Picasso se inspiró tanto en Ingres que pintó a su estilo una de sus obras. ¡Entremos en los 7 highlights de arte para julio 2022!
La diversidad cultural vuelve a llenar las calles de Galway
La ciudad de Galway se está preparando para volver a retomar un año más el Festival Internacional de Arte. Un espectáculo que reúne a centenares de personas, uniendo culturas en cada rincón de la población. Además, el enriquecimiento que ofrece a la vida social y económica de la zona fortalece a Irlanda. Pues recordamos que hace dos años fue elegida como Capital Europea de la Cultura, siendo el festival una referencia internacional.
A lo largo de las dos semanas que durará la festividad, los visitantes podrán disfrutar de un programa muy completo, rebosante de arte escénico, conciertos y exposiciones. La obra escrita por Hans Christian Andersen, El soldadito de plomo, será representada transmitiendo la magia que desprendía el autor para crear. Por otro lado, la danza enamorará con la obra Satori and Unfolding, conectando el movimiento, los sonidos y la luz. El espectáculo y el arte callejero también inundarán las calles, haciendo partícipe de la diversidad cultural a cada una de las personas que aparezcan. Por ejemplo, el planeta Marte aterrizará a gran escala sobre la ciudad, donde se podrá ver en detalle cómo es su superficie. O cómo el cantante David Naylor cruzará Galway acompañado por sus compañeros alzando la música de los años 70, 80 y 90.
El coreógrafo y director australiano Lewis Major ha ido perfeccionando sus habilidades para crear una obra que ha recibido muy buenas críticas por todo el mundo. La Royal Opera House en Londres o el Grand Theatre de la Ville de Luxemburgo realzan su trabajo
Para finalizar, las entrevistas y charlas también estarán presentes en el festival. El cambio climático y el peligro que corre el planeta y los seres humanos es un tema clave, y nadie se olvida de tratarlo seriamente. Además, a consecuencia de la pandemia estos dos últimos años han sido muy difíciles, creando desafíos a la hora de tratar el arte. Por eso, también hablarán de cómo reforzar y ser capaz de construir nuevas obras o dirigir compañías teatrales que han tenido muchas pérdidas.
¿Cuándo?: Del 11 al 24 de julio de 2022
¿Dónde?: La ciudad de Galway, Irlanda
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Els Jardins de Cap Roig reúne su arte sobre aguas bravas
De nuevo, los Jardines de Cap Roig vuelven a elevar la música hasta los cielos, reuniendo a estrellas nacionales e internacionales. La 22 edición del Cap Roig Festival regresa con novedades y artistas que pisarán por primera vez el espectáculo. Iniciando la inauguración con el colombiano Sebastián Yatra y la gran Christina Aguilera. María Luisa Gistau, directora de Comunicación y Relaciones Institucionales de CaixaBank, destaca cómo, a lo largo de los años, el festival ha conseguido ser referencia en el sur de Europa.
Como cada año, el festival es acogido en una zona hermosa, donde los visitantes pueden disfrutar de la fusión entre el mar y las montañas que le acompañan. Y es que Girona tiene un encanto único
Con un cartel de figuras musicales muy reconocidas, el Baix Empordà se ha situado en primera línea del panorama musical. Además, Cap Roig es un festival que genera oportunidades e impacta positivamente en la actividad cultural.
El programa abrirá su primera noche con Sebastián Yatra en escena, ofreciendo su nuevo trabajo discográfico, Dharma. La presencia de Christina Aguilera es algo muy esperado, pues la artista norteamericana no venía a España desde hace 18 años. En esta ocasión, la vuelta viene acompañada por un nuevo trabajo llamado La Fuerza, cantado en castellano, y con colaboraciones latinas. Miki Núñez, Els Pets, Rosario, Camilo o Sting son solo algunos de los artistas que pisarán el escenario en el festival. Representando una gran variedad, honorando a grandes voces desde hace 30 o 40 años, mientras se disfruta de nuevos cantantes que ya van recogiendo grandes éxitos.
La cantante catalana, Aitana, fue una de las más esperadas el año pasado durante el festival. Este año no se contará con ella, pero el cartel de artistas está repleto de joyas musicales como Camilo o Morat
Con la idea de ofrecer un espectáculo por todo lo alto para todo tipo de público, siguen potenciando las actividades familiares a través del Cap Roig Mini. Además, se sigue apostando por la noche solidaria, de la mano de Fundació Vilmar, y a través de la voz de Sergio Dalma. Recaudando todo el dinero obtenido al proyecto de la fundación para acercar el arte de la música a personas con diversidad funcional o enfermedades mentales. Como novedad, la oferta gastronómica estará totalmente renovada de la mano del grupo Cal Blay Food Lovers. Un catering que celebra este año 40 años entre fogones, ofreciendo manjares de primer nivel.
¿Cuándo?: Del 22 de julio al 15 de agosto del 2022
¿Dónde?: Carrer Camí del Rus, s/n, Calella de Palafrugell, Girona
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Conexión presente y pasado; naturaleza y tecnología
El Museo Guggenheim Bilbao ha abierto por segunda vez en el año la sala Film & Video con la exposición The Otolith Group: Horizonte O. Una muestra que se presenta a través del videoarte e imágenes en movimiento. La gran proyección audiovisual ha sido llevada a cabo por los artistas Anjalika Sagar y Kodwo Eshun en el 2018, fundadores de The Otolith Group. A través de ella, podemos conocer la figura de Rabindranath Tagore, Premio Nobel de Literatura en 1913.
Horizonte O, 2018. El proyecto realizado muestra una cultura quizá poco mostrada. Así los visitantes podrán salir de la exhibición con interés por saber más y acercarse a aquello poco conocido
El punto clave del film se centra en la escuela india Visva Bharati de Santiniketan, fundada por el autor en 1921, reivindicando la urgente necesidad de cuidar la naturaleza. Y es que, a principios del siglo pasado, Tagore ya preveía qué iba a ocurrir en el futuro: el riesgo del cambio climático, la urgencia de la sostenibilidad y la acción de los humanos en mantener a salvo el planeta. El descubrimiento de una cultura también está presente para observar y aprender. Con Horizonte O se reflejan bailes, rituales y paisajes naturales. Conexiones entre el origen y el futuro, relacionando la tierra y las nuevas tecnologías que acaparan el mundo.
Estudios de Santiniketan (Un siglo antes de nosotros II) Fotomontajes enclavados a lugares con historia propia
La visión naturista del escritor indio sigue estando presente hoy en día en la escuela, pues siguen teniendo una gran conexión con la naturaleza y la artesanía. Gracias a las labores que se hicieron junto a él, consiguieron fortalecer el terreno, convirtiéndolo en una tierra fértil. Todo ello originado en el siglo pasado, pero que The Otolith Group considera que sigue siendo un pensamiento contemporáneo, y un elemento crucial para un futuro sano. Por otro lado, momentos antes de entrar en la exposición, los visitantes pueden observar una serie de fotomontajes titulados Estudios de Santiniketan. En ellos se reflejan diferentes puntos de la escuela, la diferencia a lo largo de los años y los eventos históricos que recoge el lugar.
¿Cuándo?: Del 23 de junio al 9 de octubre del 2022
¿Dónde?: Abandoibarra Etorbidea, 2, Bilbao
Horario: De lunes a viernes de 10.00h a 20.00h
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George Platt Lynes con alma de revolucionar una época muy restrictiva
Para iniciar el verano, Fundación Loewe ha participado en Madrid en la 25 edición de PHotoEspaña 2022 con una exposición dedicada al fotógrafo estadounidense George Platt Lynes. Siendo esta la primera que se realiza en España homenajeando su arte. Una muestra que cuenta con 48 obras entre las que se puede disfrutar de fotografías de pret-à-porter, fotos personales o portafolios de danza. Incluso, durante el recorrido, se puede observar desnudos fotografiados con delicadeza.
De izq. a drcha.: Lynes fotografió a muchos artistas como pintores o bailarines. Marc Chagall, 1941. Mildred A. Lynes, 1930’s
Para explotar su potencial fotográfico, con tan solo veinte años se trasladó a París donde captó numerosas influencias. El pintor catalán Salvador Dalí, la novelista Gertrude Stein o el dramaturgo francés Jean Cocteau fueron algunos de sus referentes. Ganando experiencia e innovación a la hora de fotografiar, introduciendo el uso de la iluminación teatral y el atrezo absurdo. Además, su carrera la fue construyendo también con grandes revistas como Harper’s Bazaar o Vogue.
A lo largo de la visita se puede captar cómo el erotismo del cuerpo masculino toma una posición importante en sus obras. A pesar de que fotografiar cuerpos desnudos era ilegal en Estados Unidos, y la homosexualidad estaba considerada una enfermedad, Platt Lynes siempre siguió adelante con su trabajo. Mostraba una gran fascinación por el arte renacentista y la Grecia Antigua, y los cuerpos no debían de avergonzar a nadie. Algunos de los modelos que posaron para él fueron los artistas Paul Cadmus, Jared French, o el bailarín Ralph McWilliam.
De izq. a drcha.: El fotógrafo, a pesar de recibir prohibiciones, pues el desnudo estaba prohibido mostrarlo, tuvo esa lucha por intentar abrir las mentes tan cerradas que rodeaban a la sociedad. Yul Bryner, 1942. George Platt Lynes and friend
La esencia central de la exposición transmite a los visitantes las diferentes culturas en las que el fotógrafo se veía reflejado. Un tributo a una de las miles de personas que luchan para defender la identidad de género y la sexualidad. De hecho, antes de fallecer, Lynes dejó centenares de fotografías al Instituto Kinsey, pues quería ser parte de las investigaciones sobre el sexo, el género y la reproducción.
¿Cuándo?: Del 22 de junio al 22 de octubre del 2022
¿Dónde?: Calle Verónica, 13, Madrid
Horario: De lunes a viernes de 10.00h a 20.00h. Sábado de 10.00h a 14.00h y de 16.00h a 20.00h. Domingos cerrado
Entradas: Entradas gratuitas
¿Qué significa masculinidad representada en la moda?
Victoria and Albert Museum, con el apoyo patrocinador de Gucci, invita a los visitantes a descubrir cómo la moda masculina ha ido evolucionando a lo largo de los siglos. Con la exposición Fashioning Masculinities: The art of menswear se exploran los diseños elegidos por los sastres, y cómo ha ido cambiando la idea visual de lo que significa la masculinidad. El recorrido está compuesto por 100 conjuntos distintos y 100 obras de arte divididas en tres etapas. Prendas como las de Raf Simons junto a fotografías icónicas o pinturas como las de Joshua Reynolds.
De izq. a drcha.: En épocas antiguas no era extraño que los hombres de clase alta portaran prendas que hoy en día se relacionan a las mujeres. Algo que entra en polémica, pues no hay unas normas que indiquen qué vestir y qué no. Jean-Baptiste, por Omar Victor Diop, 2014. Harris Reed Fluid Romanticism 001
Las comisarías de la exposición, Claire Wilcox y Rosalind McKever, detallaron la importancia del paso del tiempo y el concepto de género.
La moda masculina está disfrutando de un periodo de creatividad sin precedentes. Durante mucho tiempo ha sido un poderoso mecanismo para fomentar la conformidad o expresar la individualidad. Más que una historia lineal o definitiva, se trata de un viaje a través del tiempo y del género. Reuniendo looks históricos y contemporáneos con arte que revela cómo la masculinidad se ha ido construyendo.
El conjunto SS2021 del diseñador Craig Green ha sido el elegido para recibir a los visitantes. Un traje deconstruido que refleja ese elemento central de la muestra: desaprender para adaptar de nuevo. En este caso en la evolución del significado de masculino sobre las prendas. Las tres etapas dentro de la exposición son Undressed, Overdressed y Redressed. El primer tramo se acerca a la exploración del propio cuerpo masculino y la ropa interior. Resaltando cómo los diseñadores se hacían propios los tejidos, abriendo nuevos ideales a través del avance de los años.
Los tupés y camisas medio desabrochadas fueron tendencia durante mucho tiempo. Chris Steele-Perkins, Market Tavern, England, 1979
Overdressed acoge el vestuario más elitista, con prendas de seda y terciopelo. Reflejando patrones simbólicos que remontan a las grandes riquezas. En esta etapa se pueden ver expuestas obras de Joshua Reynolds y Jean-Baptiste Perronneau, o el traje que vistió Billy Porter en los Globos de Oro en 2019. En cuanto a la última etapa, Redressed, se llega a reflexionar con ella sobre la sastrería y los orígenes del traje. Recorriendo la creatividad que surgió a través de ellos con las subculturas, los cambios de estilo y actitud a lo largo de las diferentes etapas.
De izq. a drcha.: Moda contemporánea que intenta revolucionar la moda. Alessandro Michele por Gucci, 7 FW 2015. Craig Green SS21 por Amy Gwatkin
A lo largo de la visita, se pueden observar prendas vestidas por caras famosas como David Bowie, Sam Smith o Harry Styles. Dando visibilidad a creaciones innovadoras y que representan la diversidad que hay vistiendo. Pues cada prenda es única para cada individuo, y van más allá del clásico binarismo. De hecho, se ha anunciado que este otoño, el cantante y actor británico, Harry Styles, colabora con Gucci en el lanzamiento de una nueva colección cápsula. Un conjunto de prendas que se agrupan bajo el nombre de HAHAHA, una propuesta de entretiempo que busca romper con los cánones de belleza.
¿Cuándo?: Del 19 de marzo al 6 de noviembre del 2022
¿Dónde?: Cromwell Rd, Londres, Reino Unido
Horario: De sábado a jueves de 10.00h a 17.30h. Viernes de 10.00h a 21.30h
Entradas: Puedes adquirir las entradas aquí
La potencia de la cultura oriental reflejado en las prendas
The Metropolitan Museum of Art, The Met, vuelve a ofrecer a los visitantes la magia de la moda, en esta ocasión, de una prenda muy característica del país nipón. La exposición Kimono Style: The John C. Weber Collection hará explotar sobre la evolución del propio kimono desde finales del siglo XVIII hasta inicios del siglo XX. Un intercambio entre el arte japonés y su acercamiento a la moda occidental con más de 60 kimonos, incluida ropa de adultos y niños. Además, todo ello se complementa con prendas de alta costura, pinturas japonesas, figuras y grabados.
En el interior de la exposición se observa el contraste entre los antiguos kimonos y cómo han ido evolucionando a través de los años. Foto: Bruce Schwarz
El kimono, como parte cultural de la tierra japonesa, ha servido para transmitir sus historias y la posición de sus ciudadanos. Algo que los grandes modistos han tomado como referencia para innovar en nuevos patrones. Esto ha sido remarcado por Monika Bincsik, curadora de las artes decorativas japonesas de Diane and Arthur Abbey.
La variedad de patrones, colores y las tendencias a menudo cambiantes revelan mucho sobre la cultura japonesa. Además, las técnicas y materiales de fabricación occidentales, junto a las tendencias artísticas, contribuyeron a la modernización de las prendas en forma de T, ayudando a crear estilos frescos y cómodos. – comentó Monika Bincsik.
De izq. a drcha.: Podemos ver como las telas japonesas portan sus dibujos que tanto les representan. Llenos de color que reflejan vida y juventud. Coat, Comme des Garçons, Primavera/ verano, 2018 y Suéter, Comme des Garçons. Rei Kawakubo
Se conoce que las técnicas de tejido y bordado fueron creciendo con gran éxito en el período Edo, entre los siglos XVII y XIX. En aquella época, la clase militar era la única que podía alcanzar vestirse con kimonos, pues los materiales eran un lujo. Además, los grabados creados en madera fueron expuestos y muchos modistos occidentales pudieron tener más presente la manera en la que creaban la silueta. Figuras como Cristóbal Balenciaga y Madeleine Vionnet se inspiraron en ellos para idear nuevas creaciones. Con la irrupción del consumismo y capitalismo, a principios del siglo pasado, el uso del kimono pasó de las clases de élite a las clases más pobres de la sociedad. Con unos tejidos más baratos, los grandes almacenes se llenaron de esas prendas para que madres, padres y niños también vistieran algo muy reconocido del país del sol naciente.
¿Cuándo?: Del 7 de junio del 2022 hasta el 20 de febrero del 2023
¿Dónde?: 1000 Fifth Avenue, Nueva York, Estados Unidos
Horario: De domingo a martes y jueves de 10.00h a 17.00h. Viernes y sábado de 10.00h a 21.00h. Miércoles cerrado
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Picasso e Ingres dialogan a través de su arte
Por primera vez, The National Gallery ofrece una confrontación entre los pintores Picasso y Jean-Auguste-Dominique Ingres. Las obra Mujer con un libro, prestada por el Museo Norton Simon, y la obra Madame Moitessier, de la que se inspiró Pablo Picasso, se muestran una al lado de la otra. Esta, siendo una colaboración especial entre los dos museos, está siendo recibida con gran agrado. El artista malagueño admiraba a Ingres y su recorrido artístico, y lo representaba en sus obras durante una fase más neoclásica en la década de los años 20. De esta manera, el museo londinense transmite cómo estuvo conectado Picasso para crear una versión distinta de la misma mujer pintada en 1856.
La majestuosa fachada de The Nacional Gallery de Londres
Madame Moitessier refleja lujo y clase, rodeada de objetos exquisitos. Una mujer segura que Ingres tardó en pintar 12 años, y que acabó representada con un gran vestido estampado de flores. Estas características también se pueden observar en el lienzo que reposa a su lado. Flores en su prenda, una de las manos rozando su cara y su reflejo en el espejo. El director del museo, Gabriel Finaldi, está emocionado de poder contar con la unión de los dos lienzos y poder ofrecérselo a los amantes del arte. Además, remarca esa importancia de unir pasado y presente para entenderlos a los dos:
Estoy encantado de que nuestra excepcional colaboración con el Norton Simon Museum reúna a Ingres y Picasso en un enfrentamiento que demuestra el diálogo continuo entre artistas de diferentes épocas. Picasso nos hace mirar de nuevo a Ingres, e Ingres nos ayuda a entender a Picasso.
De izq. a drcha.: Tan solo con un rápido vistazo podemos observar toda la similitud entre las dos pinturas. Madame Moitessier de Ingres, 1856. La mujer con un libro de Picasso, 1932
Una exposición que se lanza como una oportunidad para descubrir la afinidad que obtuvo Picasso con Ingres. Tuvo tanta conexión que de alguna manera robó esa idea original. Y es que, hasta el propio Pablo Picasso reconoció que los pequeños artistas piden prestado, mientras que los grandes roban. Al finalizar la muestra en Londres, la exhibición se trasladará al Museo Norton Simon del 21 de octubre del 2022 al 30 de enero del 2023.
¿Cuándo?: Del 3 de junio del 2022 hasta el 9 de octubre del 2022
¿Dónde?: Trafalgar Square, Londres, UK
Horario: De sábado a jueves de 10.00h a 18.00h. Viernes de 10.00h a 21.00h
Entradas: Entrada gratuita
Imágenes cedidas por Festival Internacional de Arte Galway, Festival Cap Roig, Museo Guggenheim Bilbao, Fundación Loewe, Victoria and Albert Museum, The Metropolitan Museum of Art y The Nacional Gallery
